Xavier Collette es un ilustrador que conocí hace poco gracias a una adaptación que hizo un tanto personal de Alicia en el País de las Maravillas.
Esta es la nueva Alicia que él representa en el cómic, bastante diferente a la estamos acostumbrados a ver, con su pelo largo, rubia, su vestido azul. Al igual que la Alicia de siempre, se sumerge en sus sueños, una fascinante fantasía con personajes extravagantes, pero esta vez algo un tanto más tenebroso.


En cuanto al color, me recuerda bastante a algunas películas de Tim Burton, como La Novia Cadáver o Pesadilla antes de Navidad, aunque formalmente, dentro de lo que cabe es más realista, ya que sus personajes no cuentan con las exageradas deformidades de los de Burton.

Mi proyecto consiste en la representación de un sueño que me inquietaba desde hace ya bastante tiempo, está relacionado con mi presente y mi pasado, partiendo de un lugar que solo existe en mis sueños a pesar de estar convencida de que era real, concluyendo en otro lugar al cual no pensaba volver nunca, pero mi pasión por el surrealismo, y el hecho de que el sueño continuase y se repitiera, sacaron mis ganas de representarlo y aprovecharlo para este proyecto.

Antes de nada, para los que no lo sepáis, voy a contar muy brevemente lo que nos dedicamos a hacer con los niños en el hospital. Como en todos los talleres del MUPAI (Museo de Arte Pedagógico Infantil), lo primero es hablar a los niños de arte contemporáneo a través de presentaciones en power point, ya que estas cosas no se las van a enseñar en el cole, y no es como el arte anterior que ya está más extendido. Por eso nuestra labor no es únicamente de un voluntariado sino también de educadores, ya que lo que se intenta con esto es hacer que los niños pasen un buen rato generando algo de conocimiento. Estos talleres del hospital se hacen por el Proyecto Curarte, un proyecto de la universidad con el que se está demostrando como el arte también puede mejorar la calidad de vida de un niño dentro del hospital, ya que a parte de su salud física, también es importante su estado anímico y que los niños se sientan útiles elaborando cosas con sus propias manos y relacionándose con los otros niños haciendo juntos un taller.

Bueno, a lo que iba, para realizar este taller comencé poniendo a los niños unos vídeos de Ilana Yahav, y así poder explicarles que el arte no tiene por que ser siempre un cuadro o una escultura y estar encerrado en un museo, a los niños les parecieron muy curiosas las formas que la artista era capaz de hacer e intentaban describir todo lo que veían, al acabar el vídeo nos pusimos manos a la obra, pero como en el hospital somos un poco pobres, nos servimos de un plato y folios de colores (para poner en la base y que se vea el color debajo del dibujo de azúcar). Me gusta este taller porque es fácil de plantear tanto para niños pequeños como para más mayores. Evidentemente, esto de enseñar el video y hablarles un poco de arte suele ser de seis años para arriba, pero hace poco lo hice con un niño de dos años y directamente se lo plantee como un juego, al principio quería tocar todo y se puso a jugar con el azúcar pero estaba un poco cansado y me pidió que dibujase yo, entonces decidí contarle una historia a través de los dibujos aunque no sin su participación, así pues, le dejé unas varitas mágicas, le dije que según el color de la barita tenía un poder u otro, y que debía decir las palabras mágicas para que los personajes del cuento se convirtiesen en otros, aquí podéis observar el príncipe que después se convierte en mariposa, también había una bruja buena (como no, animándole a hacer micronarrativas, lo cual le pareció tan raro como gracioso), la verdad es que me lo pase muy bien.

Algo que he podido observar en estos talleres es que ningún niño, incluso de 14 años, saben lo que son las Bellas Artes, sin embargo todos saben lo que es Ingeniería, Derecho, etc. Me parece muy triste que les hablen de carreras en las que van a ganar mucho dinero, mientras hay niños a los que les gustaría más pintar que hacer cualquier otra cosa.

Al menos con estos talleres hemos conseguido que alguno ya diga que va a hacer arte en vez de una manualidad, y que la palabra arte comience a existir en sus vidas ya es un paso, para nada pienso que a todos los niños les tenga que interesar, pero de igual modo que se les da información sobre unas cosas, también deberían darles información sobre otras y así poco a poco ver que tienen un abanico mucho más amplio para escoger de lo que ellos piensan.

Esta exposición es de hace ya bastante tiempo, pero es que soy un poco perezosa para subir estas cosas, he decir que no se mucho de la cultura china, por eso mi discurso connotativo de esta obra de Jin Shl, titulada Make a Living, será muy breve ,pero bueno.

Quitando las irremediables ruedas amorfas, de verdad, pensaba que lo había arreglado pero al verlo ahora todavía se ven un poco extrañas. Ha quedado mendieanamente realista, exceptuando también que los colores están un poco más saturados de lo normal pero bueno, me gusta como funciona ese contraste un poco elevado y los colores tan vivos, no es que me gustase demasiado el triciclo pero lo cogí con muchisimas ganas y al fin y al cabo me siento orgullosa, me hacía falta después de mi primer intento de bodegón realista, con el cual tras llevar casi un mes no conseguí más que esto que veis aquí abajo.

Ha sido un trabajo costoso, llegó un momento en el que tanto cuadradito y papeles por todas partes me estaban volviendo loca y no veía el final, pero aun así puedo sacar algo bueno como las transiciones del fondo de oscuro a claro y de los colores entre sí haciendo un círulo (esto último un poco peor, ya que solo me he servido de revistas y hay colores imposibles de hayar).
Lo malo, el ojo está como muy dibujado comparado con la sensación de pincelada que dan otras zonas, y esas pestañas no fueron muy acertadas.
El iris me gusta, para mí es un poco místico.

Nunca pensé que esta técnica me iba a gustar tanto, a pesar de no haber obtenido el resultado que me hubiese gustado, ya que a parte de que podía haber experimentado mucho más, los colores elegidos no tienen ningún sentido, por lo que no he conseguido ni unos bonitos contrastes ni una buena armonía.

Pastel

Barras secas

En este trabajo me costó un poco conseguir algunos colores, sobretodo los marrones de la tableta de chocolate, lo bueno es el aspecto tan parecido que queda gracias al volumen. La cortina y las patatas están muy poco saturadas, de hecho estas últimas las hubiese quitado si no fuese porque no quería que abundase el gris, ya que los otros colores son bastante apagados aunque compositivamente me hubiese gustadao, cromáticamente no me iba a satisfacer en absoluto.
El pelo no lo trabajé demasiado, de todas formas, con eso de que las vías del tren tienen tres texturas... la cosa llevó su trabajo.
A pesar de ser un ejercicio que no me gustaba demasiado, ha sido un interesante para entrenarme en eso de hallar colores a veces casi imposibles. Lo que me ha ayudado es el haber trabajado con tres técnicas diferentes (acuarela, témpera y acrílico), ya que con cada una el secado y el acabado son distintos y es lo que buscaba con esta variedad de texturas (trasparentes, sólidas, minuciosas, etc)

Creo que este es el bodegón que más me ha gustado del curso, sí, entiendo que haga un poco de daño a la vista por eso de los colores forforitos y tal, pero aunque parezca una tontería, me dan ganas de echar una sonrisa. Para mi gusto la composición ha sido acertada, aunque claramente me quedo con la mitad izquierda ya que la he trabajado mejor. Al principio no estaba muy segura de meter sombras y luces con complementarios ya que no estoy acostumbrada a hacerlo yo misma aunque si a verlo , de modo que al final me decidí a meter colores sin miedo, pues no estamos aquí sino para aprender, y bueno, ahora me estoy acostumbrando a hacer cosas mucho más coloristas :)

María Acaso nos habla en este libro de la comunicación a través del lenguaje visual, lo cual es más inmediato que otros tipos de lenguaje, y podemos encontrarlo en todas partes.

Normalmente no nos percatamos de las imágenes que hay a nuestro alrededor o de aquellas que vemos cada día, en la televisión, la prensa, carteles publicitarios…

Continuamente las imágenes nos transmiten mensajes que inconscientemente almacenamos en el cerebro y que son capaces de manipularnos sin que apenas nos demos cuenta.

En la teoría de la comunicación se analiza el contenido de los mensajes a través de la semiótica o semiología (en este caso la ciencia o el estudio de las imágenes).

Bueno, todo esto es básicamente lo que aprendimos en la asignatura de Bases Didácticas de las Artes Visuales, así que no voy a contar los pasos a seguir para analizar una imagen (tipos de representación, análisis de conicidad, blablabla).

Aunque sí me parece interesante, puesto que este es un blog dedicado a la asignatura de color, decir que el color es una herramienta visual cargada de información, desde la Edad Media era imprescindible conocer los códigos cromáticos para entender la iconografía cristiana, hoy en día, en las imágenes comerciales, existen cinco criterios para la selección de un color:

- Contenido simbólico

clase social)

Check out this SlideShare Presentation:

La calidad de la foto es malísima, es una pena no poder mostrarla con nitidez, aun asi, es suficiente para comprobar que lo prometido es deuda y esta vez he mejorado bastante la técnica, el nuevo soporte de tela me ha ayudado mucho en las transiciones, donde ya no se ven los saltos que habia en el cuadro anterior, la cual convertí en un desastre y acabé utilizando como boceto.
El corazón también está mejorado, ha quedado un poco más realista sin rayas extrañas, más rojo y más humano.
Los lazos ya no estan tan empastados y pesados sino que son más fluidos.
Al contrario que en mi otra pintura en basik donde los colores eran demasiado agresivos y me transmitían una sensación incómoda para lo que quería representar, ahora he optado por tonos más pastelosos y relajantes,
ya que se trata de dos sentimientos, ambos me hacen sentir bien, quizás uno más importante atrapado en dos lineas con el anhelo de desbordarse y fundirse con el cielo y otro lléndose por las ramas pero que sin su abrazo no sería lo mismo.

Puesto que en la anterior entrada sobre técnicas pictóricas no queria enredarme demasiado, y ya me parecía demasiado repetitivo lo de la composición de cada técnica, he decidido comentar algo tan solo de dos de las técnicas que más me gustan y que a lo largo de mi vida he utilizado más bien poco pero que me encantaría llegar a manejar.

Elementos básicos de las técnicas pictóricas:

- Soporte: es la superficie que sirve para sostener el conjunto de elementos que componen toda
la obra. Existen múltiples soportes, por ejemplo, papel, lienzos de tela, madera, muro, etc.

- Pigmento: material sólido en forma de pequeñas partículas separadas (naturales o artificiales)
que tiene color en su composición. Su apariencia puede ser modificada por el aglutinante. El
pigmento es el componente más importante de cualquier proceso pictórico.

- Colorante: sustancia coloreada mediante manipulaciones químicas que se disuelve con el
aglutinante.

- Aglutinante: sirve para mezclarse con el pigmento y así poder unir las partículas de color para
posteriormente fijarse en el soporte


- Pintura: Se trata de el pigmento aglutinado

Este cuadro lo hice hace ya bastante tiempo para regalárselo a un amigo. La técnica con la que pinté fue con acrílico, la cual no dominaba ni domino todavía, por eso se pueden observar fallos, cosas sin sentido, pero bueno, algún día me gustaría repetirlo quizás con técnica mixta, por ejemplo acuarela y acrílico, no se, ya probaré porque creo que con lápices acuarelables podría conseguir los detalles que me gustarían en los ojos.
Utilicé una limitada escala acromática ya que una parte pretendía estar en positivo y otra en negativo, el ying y el yang, aunque el resultado del negativo es bastante extraño. En cuanto a formas, se puede ver algo de simbología (espirales, símbolo del infinito), en fin, todas las facetas que quieras intuir de una mirada.


"Sin embargo en mis ojos una pregunta existe
y hay un grito en mi boca que mi boca no grita".

Pablo Neruda

El ojo humano percibe el color gracias a los rayos de luz que inciden en la retina reflejados por aquello a lo que estamos viendo.

Pero el color tan solo es una sensación según los ojos del que mira.

Podemos clasificar los colores en colores luz (correspondientes a la síntesis aditiva) y colores pigmento (correspondientes a la síntesis sustractiva)

En la síntesis aditiva los colores proceden de una fuente de iluminación, en este caso, los colores primarios son el rojo, verde y azul, que combinándolos entre sí, conseguimos los colores aditivos secundarios, es decir, amarillo, cyan y magenta, y combinándolos con la misma intensidad, se obtiene el color blanco.

En la síntesis sustractiva los colores proceden de

pinturas, tintes, etc., que absorben ciertas longitudes de

onda y reflejan otras. Aquí, los colores primarios, al

contrario de lo que sucede en la mezcla aditiva son el azul cyan, magenta y amarillo, de cuyas mezclas podemos

obtener los colores secundarios pigmento que son el rojo,

verde y violeta, después los terciarios, y así sucesivamente, algo que ya hemos estudiado bien en tanto

en el círculo cromático como en el triángulo, donde por

cierto, me fue imposible conseguir unos colores perfectos

en parte porque cada marca se inventa sus propios

pigmentos primarios y luego también porque no me fié

del todo de las jeringuillas.

Otros rasgos a tener en cuenta en la percepción de un color son:

- La tonalidad, nos ayuda a distinguir colores fríos de cálidos, y dentro de ellos cada

grupo, por ejemplo en los fríos, los azules de los verdes…

- La saturación, según la pureza del color

- El brillo, que corresponde a la cantidad de oscuridad o luminosidad que presenta el color.

Además de todo ello es curioso estudiar los efectos ópticos debido a la relatividad del color, donde hemos llegado a la conclusión de que un color no es por sí solo sino que es él y sus circunstancias, es decir, que podemos percibir el mismo color de una manera u otra según los colores que le rodeen o se le aproximen.

Una gota de agua suspendida en la atmósfera y....
surgieron los colores

Pero jamás seríamos capaces de percibir esta belleza si no fuese por luz del sol que se refracta en la gota de agua (en el caso del arco iris) o simplemente por la influencia que tiene la luz (ya sea natural o artificial) que tiene sobre los colores además de nuestra percepción visual:

LUZ-------- OBJETO --------- LOBULO OCCIPITAL, CEREBRO –------ CORTEZA CEREBRAL

El color es una sensación que se produce en respuesta a una estimulación nerviosa del ojo, causada por una longitud de onda luminosa. El ojo humano interpreta colores diferentes dependiendo de las distancias longitudinales.

Me pregunto como será la imaginación de una persona que jamás ha visto los colores, ya que es algo que no se le podría explicar, existen letras y números que sencillamente se pueden comprender el braille, pero cómo describir a una persona ciega el azul del mar, el rosa anaranjado y el violeta de un atardecer tras un dia soleado, o un claro de luna.

Esto último, según una leyenda que leí, lo hizo Beethoven al componer Sonata Claro de Luna en los últimos años de su vida cuando su sordera ya hacía mella y una muchacha ciega le gritó que daría lo que fuera por ver una noche de luna clara.

No se si la música será la mejor manera de acercarse a las imágenes o al color, pero todo queda en el arte, aun así me resulta extraño el intentar conocer el mundo sin luz, el no poder comprender un objeto hasta que te planteas dibujar todos sus recovecos, tan solo fiándote de las sombras.

http://www.youtube.com/watch?v=w2cFEHM9yMw&feature=related

Ilana Yahav es una artista que realiza animaciones con arena, a mi parecer una técnica bastante difícil, hasta ahora solo había visto la arena en el arte para escultura y para dar textura en lienzos. Por lo que se ve, la superficie es una especie de mesa donde se van proyectando luces de diferentes colores para la creación de los distintos ambientes de la historia.

Me han llamado muchísimo la atención las transiciones tan limpias que hace para pasar de un dibujo a otro y la intriga al pensar qué imagen vendrá después.

Bueno, en esta entrada quiero hablar un poco de la parte del trabajo que me tocó exponer, no solo porque lo tenía pendiente sino porque creo que en clase con eso del miedo escénico y la necesidad de acabar cuanto antes fui demasiado escueta y me dejé alguna que otra cosa en el tintero (aun así me seguiré olvidando de otras).

Me tocaba hablar de la parte de el color en las diferentes estancias del hogar según el arte del feng shui, me pareció interesante este tema ya que cada color emite un mensaje, y por tanto un estímulo, que influye en los seres humanos y en los animales seamos conscientes o no de ello.

Tambíen es interesante saber la mejor ubicación para algunos elementos y demás curiosidades para ayudar al buen flujo del chi (energía vital que se encuentra en todas las cosas y nutre nuestra vida).

Todo esto lo he ejemplificado con unas fotos que he tomado de la casa que hice en los sims:

El libro es una recopilación de cartas que Van Gogh escribe a su hermano desde que sale a Londres a trabajar como marchante. Después de esto, inicia su vida como artista y va viviendo en diferentes ciudades, de cada una de ellas describe cada detalle, el cielo, las flores, los campesinos, reflexionando sobre el paisaje que está ante sus ojos haciendo notable hincapié en el estudio del color. Pero no solo habla de su obra sino que también hace referencias a artistas como Durero, Rembrandt, Corot, Delacroix, Millet, Renoir… y a importantes literatos como Shakespeare.

En las cartas también aprovecha para pedir ayuda económica y materiales a su hermano Theo (quien además le sirve de gran apoyo moral) ya que solo por su obra no puede sustentarse y como sucedió con muchos otros, sus pinturas no tuvieron valor en vida.

Además de todo esto, Vincent cuenta sus experiencias personales, sus sentimientos amorosos, donde me llamó bastante la atención una frase que dice “el que ama vive, el que vive trabaja, el que trabaja tiene pan”.

Algo que me ha gustado muchísimo es como el artista describía su pasión por lo que hacía a pesar de ser considerado un loco, o de estarse muriendo de hambre, y la necesidad de seguir pintando en cada momento hasta el día en que se quitó la vida, quizás por su anhelo de amar.

Yo me quedaría con una de sus frases en las que dice: “dibujar es luchar por atravesar un invisible muro de hierro que parece alzarse entre lo que sientes y lo que eres capaz de hacer”, y por supuesto, pictóricamente, con su Noche estrellada.

Este es mi autorretrato interpretativo, como se puede apreciar, no está acabado ni pienso hacerlo, al menos no en este papel, debido a que me ha jugado una mala pasada, y yo que fui bastante descuiadada con el agua. Al principio me estaba quedando bien, las formas me gustaban, las transiciones del fondo eran aceptables (gracias a la cantidad de veladuras con exceso de agua). Pero bueno, no hay mal que por bien no venga, el hecho de haber cometido estos errores me ha animado para empezar de nuevo sobre un lienzo de tela, dejando las mismas formas, el corazón más o menos igual y haciendo el fondo con las transiciones suaves como cuando comencé, ya que al ver que no iba a ser el trabajo definitivo me lancé a probar metiendo manchas oscuras sin sentido (cosa que evitaré), sin embargo, creo que los lazos los voy a hacer como en la parte superior donde se van deshaciendo conectando con el fondo y por el medio no los dejaré tan planos, ya que iba haciéndolo con el cuidado de no salirme, pero en el último momento eso es algo que me ha dado igual y me he ido más hacia la parte de arriba en la cual he hallado algo que de otra manera no hubiese pasado.

nota: el corazón lleva una mezcla de acrílico con lápiz acuarelable, me encantan los efectos que te permite conseguir este último, sobretodo haciendo uso de un pincel muuy fino y aplicándolo de manera muy sutil, parecía que las venillas salían solas. Supongo que en el lienzo no podré hacerlo, será la única desventaja.

A excepción de la técnica, me gustaría Raquel (o si a alguien más le da por leer y tiene ganas de hablar, :P) que me comentases algo de los colores, se que recuerdan bastante al paisaje con eso del atardecer y tal, es que no se como pero al final he acabado haciendo trabajos que tienen bastante relación entre sí y no se hasta que punto eso es bueno o malo, en todo caso me gustaría añadir una explicación conceptual a todo esto pero supongo que ya cuando suba el próximo que haga en el lienzo.

De este no hay mucho que decir, me gusta porque me pareció muy sencillo, tal vez se debe a que no hice mucho esfuerzo en copiar la imagen y al final lo he hecho como me gustaría que fuese la imagen y no como es en realidad, vease el claro ejemplo del lago que sale de la nada, se veía un poco seco el paisaje, y bueno, por probar que no sea. Además, creo que aquí también se podía desarrollar la interpretación, en principio mi intención era hacerlo solo con lo que se refiere al color, como en las montañas, que a medida en que se van alejando se aclaran notoriamente, pero me emocioné bastante.
En todo caso, me gustaría mejorar algunas cosillas, sobretodo del agua ya que quizás quedaría mejor con más reflejos del cielo.

Este cuadro lo he hecho durante las navidades, me apetecía hacer algo contrastado tanto por colores, de ahí el uso de los secundarios verde y rojo, como por claroscuro, para lo que metí una luz abismal en el centro (más exagerada por culpa del flash), bueno, y la verticalidad de la figura frente a la pincelada horizontal ..., en fin... de las cosas opuestas surge la más bella armonía (se que no es este el caso, pero yo voy probando).
También empleé tiras finitas de barro en zonas como el ala derecha, la cabeza y la cola, para conseguir un bajorrelieve, no se, me apetecía mezclar cosas. Además incluí unos cuantos versos que seleccioné de un poema de Juan Ballester, titulado "La libertad de las alas".
La libertad de probar nuevas técnicas y estilos, la libertad que se siente al hacerlo, pero sobretodo, la libertad que deberíamos dejar a aquéllos que al menos pueden volar.



Los pájaros tienen la libertad de las alas,